Rückblick von Martin Schray auf das Konzert mit Survival Unit III und Interview

Survival Unit III, W71, Weikersheim, Germany; 10/9/2015

Joe McPhee was in a good mood that night. The day before the gig at the W71 club he and Michael Zerang had arrived in Europe for a short tour of eight gigs, Weikersheim was supposed to be the first one. Norbert Bach, the promoter of the W71 concerts, picked them up and they were invited to stay at the Bach’s house. Elsbeth, Norbert’s wife, cooked dinner and they had some whiskeys. Fred Lonberg-Holm joined them at the day of the gig. The audience was very welcoming, the trio had been there twice before. And McPhee had saved the rest of the whiskey from the night before backstage.

What makes Survival Unit III such an outstanding band are the different musical socializations of the players (one of the last great bluesmen on reeds, a drummer with an Assyrian background and a cellist who is also linked to the alternative rock scene; the last two are also trained in classical music) and – as a result – the variety of musical means they have at their disposal: blues rock riffs, folk ditties, classic jazz themes, blurred shapes á la Albert Ayler, African tribal rhythms, abrupt changes of style, the use of electronic loops, computer game sounds etc. – and they displayed their complete set of skills in Weikersheim.

The first set consisted of three pieces and the band used the first one to warm up, to find their idea for the evening, where they want to head. McPhee, who was on soprano and on pocket trumpet that evening, took the small trumpet like a whiskey jar and put it to his mouth, sucking and spitting into like an angry, greedy animal, it was like a signal for the others. The second piece was wilder, partly crass distorted sounds by Lonberg-Holm dominated the atmosphere but then he changed to a loop that sounded like a guitar played backwards and McPhee added overblown lines on the trumpet – it was a moment of mad beauty. The conclusion of the first set presented McPhee playing blues motifs on trumpet which he countered with his own voice, a reminiscence to his own musical history of the late 1960s and early 70s.

But the highlight was yet to come: the 35-minute second set, in which the band pulled all the stops. McPhee, the mad master of ceremonies, challenged Zerang for a soprano/ocarina duo – it was as if one instrument was playing, creating a weird split sound. Then again, the trio very often sounded as if they were playing blues rock in a free jazz disguise, mainly Fred-Lonberg Holm was the man whose lines held the improvisations together while McPhee wasn’t playing at all for minutes. He left the field to his comrades, stomping his left foot repeatedly on the bandstand like a furious elephant. Then he started singing, hollering and crying, he couldn’t stand still, he danced as if he was in trance. Here you could see how deep McPhee is rooted in an African-American tradition, in the call-and-response structures of the field songs. He answered his shouts with short lines on the trumpet, and the band supported him with straight and tight licks.

After the regular set the audience went crazy (which is all the more remarkable because it was a typical German free jazz audience, which means that it mainly consisted of men who were older than 50). Eventually, the encore proved how varied the band could play: the piece reminded rather of baroque music than of the free funk/blues set they had just played, which was surprising but also very beautiful and exciting.

In a nutshell: although there are some live gigs to come at the end of this year, this might have been my favorite concert in 2015.

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An interview with Survival Unit III

Freejazzblog: Straylight is the fourth album with this line up. How is it different from the three albums before? I noticed that you use the soprano compared to the previous albums and that Fred is on guitar. Was that a conscious decision or was it rather spontaneous?

Joe McPhee: I like the soprano with this. Sometimes it’s a tactical decision, which saxophone do you wanna take to the airplane because once one of my instruments was almost destroyed since the planes are getting smaller and smaller.

But it was a very conscious decision because I love the sound and I wanted to have it right there. I also have a plastic saxophone and sometimes I threaten these guys to use it.

Freejazzblog: The new album also celebrates the bands 10th anniversary. Its a rather long- lasting concept, especially in free improvised music.

Why are you still interested in playing with each other?

Joe McPhee: It’s a long period of time but we haven’t had so many concerts. So of course I am interested in playing with this band.

Freejazzblog: Do you see a certain danger that the music might repeat itself because you know each other so well? Derek Bailey, for example, once said that real improvisation is only possible if you havent met before.

Michael Zerang: As much as I love Derek Bailey I don’t think this is true. To me this kind of distinction – improvised/unimprovised – is something from the past.

Freejazzblog: Would you say that there are certain routines that the music can even benefit from?

Joe McPhee: We don’t have any routines, we don’t see each other often. so everything is always pretty fresh.

Freejazzblog: Are there formal or structural principles the band is based on? Maybe as to sound?

Joe McPhee: Integrity. One of the things I like most about this band is that everybody has its own thinking about the music, everybody is very honest about this thing. I always try to do the best I can when I play in this band.

Fred Lonberg-Holm: Michael and I are something like an old couple. I still remember when I heard him before we actually played together. It’s different with Joe, it’s like a game with certain marbles, it’s not like “Oh, I am so happy to be in that game“, I mean this is fucking serious. I can only speak for me, but I always try to give one hundred percent, tI try to take it seriously and do the best I can and hope that it makes sense, for me and for other people, too.

Freejazzblog: Was the band culled from the Brötzmann Chicago Tentet?

Joe McPhee: Not really. The producer of the label wanted it to be that way.

Fred and I had played around 2000 in two shows and Michael brought a perspective to that group that – for me – was really fresh because there is some kind of jazz drumming and another kind of percussion – and I thought, that’s good, man.

We arranged our first recording and some days before the recording should happen it was cancelled. But a little tour had been set up and we played in Chicago and it was very interesting. The first concert was called “Barrel Street Blues“ (dedicated to Ornette Coleman) and it was really great. From the first time we played it just worked, for me and I think for Fred and Michael as well. And then a European tour was set up.

Michael Zerang: Playing in the Brötzmann Tentet just made the logistics easier.

Joe McPhee: Sometimes we have guests, but there won’t be a Survival Unit IV. (laughter)

Michael Zerang: So we won’t survive Survival Unit III.

Freejazzblog: Survival Unit III is the third project under that name. Why have you revived this platform and what are the differences to the previous bands?

Joe McPhee: First there was an alto trio, alto saxophones and alto clarinet, but I didnt like the name Joe McPhees blablabla, whatsoever. The first Survival Unit was me, I played along with pre-recorded tapes. And sometimes I just played music in a bar for what was called a drink down, where the bar owner would take every bottle of whiskey on the bar and poured it into a big pitcher and you were allowed to drink for free. So it was really a survival thing.

Survival Unit II was when bass players for some reasons refused to play with me. One of them literally grabbed his bass and walked off the stage saying This is not real music, I have nothing to do with this shitand walked away. This was 1971. Then I had a concert in New York, I still had no bass player. In 1972 we had a recording for Public Service Television and there still was no bass player and then the drummer said: I know this young guy in PhiladelphiaAnd I asked: How old is he?“ “He is 21.“ „Forget it, I said. The bass player I refused to have was Stanley Clarke. (laughter)

Freejazzblog: In which way is the Survival Unit a combination to literally survive? How has music helped you to survive? Has it helped to survive economically and spiritually?

Joe McPhee: As a matter of fact its about that. We will survive, were doing the best we can. Its beyond word, its pure love.

Michael Zerang: For me being on stage is surviving. Every moment you dont know whats going to happen. It makes it more than spontaneous music, it makes it a life- or-death thing. I dont think this music is easy to play. I think its demanding moment to moment to moment. To get through a set, to get through a tour, to get through ten years, thats not a small feat. Some guys I play with, things go really smoothly, you know what you have to expect, but this here is different. I wouldnt call it difficult because its not the right word. Its always been demanding and

Fred Lonberg-Holm: Challenging.

Michael Zerang: Thats the word.

Fred Lonberg-Holm: For me and the people who care about this music its about playing against the people who are trying to stop us, and the culture in general. Its one model, one example how people can work together, and be serious together and accomplish something more meaningful, something which is beautiful and of importance.

Dies und andere Zexte zum Thema Free Jazz nachzulesen auf dem lesenswerten Blog http://www.freejazzblog.org

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Peter Brötzmann – Steve Noble Duo, 24.4.2014

Unser Hausfotograph Schorle konnte beim Brötzmann-Noble Duo leider nicht vor Ort sein. Dafür war Rigo da (Rigobert Dittmann/bad alchemy). Hier seine Eindrücke vom Konzert:

Taramtamtam!Toromtomtom!Ra!ta!ta!ta!Klenngg!! Wenn man sich ein Schlag¬werkspektrum vorstellt mit ‚King of Denmark‘ als einem Pol und ‚Moby Dick‘ als anderem, dann ist STEVE NOBLE ein Captain Ahab, der unter vollen Segeln dem dicken ‚Fisch‘ nachjagt. Ihn heute, es ist der 24.04.2014, im gerammelt vollen W 71 das erste mal die Trommel schlagen zu sehen, schließt eine arge Lücke in meiner Drummersammlung. Er hat sein Handwerk in Nigeria an der Quelle studiert, in den 1980ern bei Rip, Rig & Panic und Kahondo Style gespielt und sich in den ver¬gangenen 20 Jahren als Wirbelwind in der britischen Szene etabliert, in School Of Velocity, Badland, Decoy und N.E.W. immer wieder zusammen mit John Edwards, Simon H. Fell, Alex Ward oder Alan Wilkinson, aber auch ungewöhnliche Heraus¬forderungen durch Ikue Mori oder Stephen O’Malley sind sein Ding. Oder PETER BRÖTZMANN. Der hat ihn jetzt nach Weikersheim mitgebracht, wo er hält, was seine kecke Frisur verspricht. Mit energischem Toromtomtom! lässt er den Kreisel brummen, den Bohrer drillen, den Derwischtanz rollen, den Brötzmann auf der Tarogato anfeuert. Was dem der Zahn der Zeit nimmt, das mehrt nur seine Aura, seine faszinierende Souveränität und Intensität, mit der er auch hier mit Noble wieder zusammen bringt, was zusammen gehört, wenn er den Bogen schlägt von morgenländischer Sufitrance zu westlichem La Commune- und Maidanalarm. Noble setzt einen dafür in innere Drehung, und dann im alten Drum & Fifes-Stil in Aufruhr. Um freiheitsdurstig mitzuwippen. Brötzmann röhrt auf dem Tenorsax, kirrt mit der Klarinette. Die Töne können ihm gar nicht schmutzig genug sein, er wischt mit der ganzen Handfläche über die Klappen, trillert mit starkem Vibrato, verschmiert Klangfarben. Und singt so den Blues, beißend und hymnisch, er gräbt, bis es fast weh und dadurch besonders gut tut, lässt alte Songs anklingen und sogar ein Lullaby, das rührend berührt. Ihn so mit Feuer und Melodie spielen zu hören und zuletzt bei der zweiten Zugabe mit einem tatsächlichen ‚Caravan‘, das ist einfach grandios. Gibt es einem doch das Gefühl, wir vom Alditütenschleppen Gestählten und in Urlaubsstrategien Gewieften hätten doch auch noch einen Darm und eine Poesie im Leib. Dazu erteilt Noble eine essentielle Schlagzeuglektion, mit Tamtam von der bloßen Hand, mit Stöcken und mit Schlegeln, mit Gong und mit Klangschalen, wobei er immer wieder auch die Kanten anschlägt und nicht nur bei seinen Solopassagen die Klänge nuanciert durch Finger- und Stockdruck. Kratzend trifft er sogar die Klarinette Ton in Ton. Aber Improsprotten sind nur Beifang, sein Eifer gilt einzig dem weißen Wal. Die Shirtbrust schweißgefleckt, die Haare kampfeslustig, das Tempo seines Rollens und Pochens enorm, alles Wesentliche sagt er mit Tomtom und Bassdrum, mit Donner und Blitz, das Metall ist für die Akzente. Dabei hält er die Stöcke locker wie ein Konzertschlagwerker, kommt immer wieder auch vom Prügel aufs Stöckchen. Sehr beeindruckend, und die nickenden Köpfe vor mir bestätigen das. Fundamentaler Stoff! [rbd]

Nate Wooley Quintet am 15.3.2014

Unser Freund Rigobert Dittmann („bad alchemy“) hat uns anlässlich des Konzerts mit dem Nate Wooley Quintet besucht. Im Folgenden seine Eindrücke.

WOOLEY WHO? … AVEC MOI?
Zu sagen, dass seit gestern Abend (15.03.2014) keine Fragezeichen mehr hinter NATE WOOLEY stehen, wäre nicht ganz richtig. Aber es sind jetzt andere geworden. Ich hatte den Trompeter kennengelernt mit Blue Collar und im Duo mit Paul Lytton und einsortiert als einen Extremisten seines Instrumentes. Er zeigte seither seine Furchtlosigkeit im Spiel mit Chris Forsyth oder Weasel Walter und erreichte im Duo mit Peter Evans, das sich in Donaueschingen präsentierte, den Trompeterolymp. Gestern aber eröffnete er im QUINTET mit Josh Sinton an der Bassklarinette, Matt Moran (vom Claudia Quintet) am Vibraphon, Eivind Opsvik am Kontrabass und dem aus Toronto stammenden, mit Opsvik und Wooley durch sein eigenes Canada Day-Quintett vertrauten Harris Eisenstadt an den Drums gleich beide Sets jeweils mit Stücken des jungen Wynton Marsalis. 1985 war, wie Wooley erläutert, Black Codes (From the Underground) als Cassette, mit der sein Vater den sommercamptraumatisierten 11-jährigen versöhnen wollte, ein wegweisender Eindruck gewesen. Inzwischen ist es ein ideologisches Minenfeld, das Wooley entschärfen möchte. Überhaupt steckt hinter dem alttestamentarischen Bart ein Friedens- und Freundschaftsengel, der mit seinen Bebop- und Hardbop-Rückgriffen das erstaunlich zahlreiche Samstagabendpublikum verführerisch mitnimmt auf hyperartistische Trompetentrips, mit Überblasschreien und getrillerten Flatulationen, über die sogar Sinton grinsen muss. Gerade noch ganz ‚jazzig‘, ganz ‚in‘, und ein paar Takte später mit dem gleichen Selbstverständnis weit ‚draußen‘. Auch Sinton verrät die Pfiffigkeit hinter seinen blassen Hängebacken, wenn er sein Instrument als Querflöte pustet. Kakophone Spitzen werden gedämpft durch Morans euphonen Klingklang, durch die frauenversteherischen Lyrismen von ‚Shanda Lea‘ und den strukturierenden Handlauf, der durch den Abend führt. So bilden nicht nur die Marsalisversionen jeweils ein Portal, dem Bläserduett des ersten Sets entspricht ein bläserloser Segelflug im zweiten, wobei Eisenstadt das Fell mit der bloßen Hand streichelt und die Luft nur fächelt, Opsvik die Saiten mit dem Bogen summen lässt und auch Moran die Vibes mit einem Geigenbogen in Schwingung versetzt. Auch ‚Plow‘ mit Opsviks Pizzikatopoesie und durchwegs schmusigem Duktus und ‚Executive Suites‘, bei dem Moran mit seinem glasperlenspielerischen Geklingel glänzt, bilden ein Paar, wie Wooley mit seinen durchwegs launigen Introduktionen erklärt. Für beide Titel fungierten nämlich alte Freunde als Namensgeber, wobei ‚Plow‘ (ein Restaurant) ein für Wooley inakzeptables ‚Santa Cruz‘ ersetzte, und ‚Executive Suite‘ (ein Hotel) furztrocken unterschlägt, dass da vor dem Fenster ein Tanklastzug brannte. Als die am schnellsten bewilligten Zugaben ever bieten die längst durch den Beifall wiederbelebten Tourstress-Zombies – Weikersheim war ihr Zwischenschritt auf dem Sprung von Copenhagen nach St. Johann in Tirol – das träumerische ‚My Story, My Story‘ (ebenfalls von (Sit in) The Throne of Friendship). Mit Glockendingdong von Moran und erst gedämpft zirpendem, dann wieder offenem, aber durchwegs melancholischem Trompetenklang. Und zuletzt dann noch ‚Old Man on the Farm‘, 1977 von Randy Newman geschrieben, hier aber ziemlich wooleyfiziert, so wie er ja auch Marsalis Respekt erweist, indem er ihn nicht imitiert. Es gibt sicher herausfordernde Musik, Musik, die, mit Thomas Brasch gesagt, nicht verhandelt, wohin man denn in Urlaub fahren, sondern wie man sein Leben führen will. Aber auch massenweise verdummendere.
rbd

Bericht von „ibra“ über das Konzert von Jagwa Music am 4.Juli – Fotos von Günter Gretz

„Jagwa Music“ begeisterte

Keineswegs zu viel versprochen hatte der club w 71 bei
seiner Konzertankündigung: „Jagwa Music“ aus Dar es Sallaam zün-
dete mit vier fulminanten Trommlern, dem Casio-Spieler und dem
Sänger ein regelrechtes Feuerwerk, bei dem es selbst den Musikern aus
Tansania heiß wurde. Unglaublich dabei, was für Sounds sich aus dem
kleinen Billig-Keyboard herauskitzeln lassen, faszinierend, wie selbst
ein simpler Hocker zur Trommel mutiert. Dass sich nicht einmal 50 Be-
sucher bei diesem rare Konzert weitab vom hiesigen Mainstream ein-
fanden: Schade. Für die Anwesenden war die Begegnung mit der Band

ein echtes Erlebnis.BildBildBildBildBildBildBildBildBildBild

 

Bericht zum Konzert mit BALLISTER am 21.2.2013 (von Rigo/bad alchemy)

Zu versäumen, wenn zwei Größen der Chicago-Szene mit PAAL NILSSEN-LOVE Station in Weikersheim ma­chen, da hätte ich mir in den Arsch beißen müssen. So aber bin ich dabei, am 21.2.2013, wenn DAVE REM­PIS, der schon mit seinem Percussion Quartet im w71 gespielt hatte, und FRED LONBERG-HOLM, der genau ein Jahr zuvor mit PNL und Peter Brötzmann als ADA im tauberfränkischen Brückenkopf des NowJazz sein Cello traktiert hat, mit diesem  Rock’n’­Roller unter den Freispielern zusammenrauschen. Der hämmert auch gleich los, um mit accelerierendem und crescendierendem Powerplay diesen Donnerstagabend über andere Donnerstagabende hinaus zu katapultieren. Wie er da losknattert mit typisch seitwärts gedrehtem Gesicht, ist es kein Wunder, dass sein graues Hemd bald dem gefleckten Fell einer Hyäne gleicht. Lonberg-Holm, der als magerer Asket mit seinen unter der Wollmütze herab hängenden Strähnen und dem im Partnerlook die Haare sträubenden Bogen etwas von einem Erweckungsprediger hat, ist anfangs mehr zu sehen als zu hören. Verschüttet von PNL, und von Rempis mit spitzen Altoschreien überschrillt. Dass im Verlauf des vor und nach der Pause jeweils nochmal zweigeteilten Sets aber doch auch noch die leisesten Schab- und Knarzlaute am Cellokorpus hörbar werden, weil Rempis sich zart zurück­nimmt, nur ploppt oder tonlose Luft übers Mundstück bläst, und PNL, wenn auch alles andere als geziert, Stöcke aneinander reibt, Gongs schwenkt oder das Fell nur schabt, das macht die spezifische Totalität dieses Trios und ihrer musikalischen Sprache aus. Lonberg-Holm arbeitet viel mit bloßem elektronischen Noise, hantiert aber auch pizzikato oder mit dem Bogen zwischen und sogar unter den Saiten und hinter dem Steg, wenn er nicht gegen den herkömmlichen cellistischen Strich quietschfiedelt. Umso verblüffender dann die kurzen ’schönen‘ Passagen, wenn er die Saiten sonor ’sprechen‘ und singen lässt, und wenn auch Rempis süße Lollies lutscht. Die Duette von Cello-Schlagzeug und Cello-Saxophon sind Highlights, weil sie den dichten Nahkampf der Drei transparent werden lassen, die zwischen den furiosen Attacken sich immer wieder die Zeit nehmen, nach neuen Klängen und Geräuschen zu stöbern. Ballister bedeutet ‚Armbrust‘, was, deutsch und wörtlich, sehr gut dem Wesen dieser Musik entspricht, ihrer Körperlichkeit und dem Handwerken mit Holz und Blech. PNL macht es besonders augenfällig: Ein Schlagzeuger ist einer, der Zeug schlägt, und das Zeug ist Holz, Metall, Fell, es ist rund, eckig, scharfkantig, geriffelt, hohl etc. Er kann zwischendurch tasten, kratzen, prüfen, auch mit bloßen Händen. Aber er kommt unvermeidlich mit eckig pleuelnden Ellbogen und knüppelharten Stockschlägen wieder ins Rollen, wobei er die Lokomotivisierung mit Über­kreuzhieben und gezielten Takt- und Tempowechseln ab- und umbricht. Grooven wie blöd, das können andere. Hier geht es um einen Generalcheck der Sinne, der der stumpfen Li­nearität und Rotation, die selbst Sex, Drugs & Rock’n’Roll schon durchwirken, quertreibe­risch spottet. Der zweite Set ist anfangs jazziger, weil Rempis sich als versierter Sprudler einbringt. Aber die Drei stürmen, angetrieben von PNLs Geknatter und Geschmetter, wie­derum zum rasanten Feuerio! Das gibt es zuletzt auch nochmal als Encore, die uns, pfeil­genau ins Herz getroffen und mit nachglühenden Backen, an den Freitag weiterreicht.

(Rigobert Dittmann/bad alchemy)

Konzert mit Rupp/Müller/Fischerlehner am 18. Januar 2013 von Rigobert Dittmann/bad alchemy

Es hat lange gebraucht, um am 18.01.2013 endlich mal wieder nach Weikersheim zu kommen. Aber ein Trio von derart bad alchemystischem Zuschnitt zu verpassen, das konnte, das durfte nicht sein. Olaf Rupp, der den Weg von Berlin zur wohl heimeligsten Adresse für außerordentliche Musik inzwischen schon ganz gut kennt, hat den Posaunisten Matthias Müller und den Drummer Rudi Fischerlehner mitgebracht. Mit Jahrgang 1971 und ’77 gehören sie einer Improviser-Generation an, für die es nichts gibt, was es nicht gibt. Müller bläst mit Superimpose, The Astronomical Unit, Trigger und dem Foils Quartet umeineinander, also mit Kapazitäten wie Clayton Thomas, Chris Heenan, John Edwards und und und, als Posaunenglanzterzett mit Johannes Bauer und Christof Thewes, im Ensemble Xenon mit einem Bein freiwillig auf einem Notenblatt, und in Blisk auch schon mit Fischerlehner. Der klappert und tickelt ansonsten mit Pinx und Fiium Shaarrk, und wie ich ihn da erstmals live in Aktion sehe, kommt er mit vor, als hätte er Alles, was je an den Plinkplonkstrand gespült wurde, aufgesammelt und würde darüber mit wissenschaftlicher Sorgfalt herrschen. Mit Scheuerdraht, mit dem man Töpfe reinigt, poliert er die Toms, er raschelt und tickelt mit Krimskrams und Stöcken in verschiedener Dicke, klimbimt und rappelt mit allerhand Blechen, mit Haken und Ösen, mit Rundungen und Kanten. Um mitten in solcher Klangfarbakribie und Burkhard-Beinserei im lockeren Handumdrehn drauflos zu marschieren und zu rocken wie ein junger Han Bennink, komplett mit Ferse auf der Snare. Und schon ist er wieder zurück bei der Feinarbeit. Müller schmaucht derweil zirkulargepustete Dauerdrones, überbläst oder schmurgelt mit Dämpfern in allen Größen. Dabei ist er doch nur ein Schmalhans, dessen kleinkarierte Außenseite aber einen Ausbund an knörigen und knurrigen Dynamiken zusammenhält, bis runter zu tonlosen Luftstößen. Und all das, ebenso wie Fischerlehner, mit einem Understatement, aus dem sie sich gleich mehrere graue Anzüge schneidern lassen könnten.

Dazwischen Rupp, unten Turnschuh, oben halb Popeye, halb Buddha, dazwischen das Virtuoseste, was sich die Gitarre gefallen lässt. Sie muß, das grüne Stück, Rupp hat es fest im senkrechten Griff à la Flamenco. Und er bekrabbelt und beharft es mit der lang bekrallten Rechten mit superschnellen Arpeggios. Ständig unterdrückt er den Nachhall, um Zeit zu gewinnen für weitere Notenkompressionen auf engstem Raum. Dazu gibt es aber auch ganz zartes Blinken, ein vorsichtiges Tupfen und Streicheln. Mir sticht aber vor allem seine Entschlossenheit ins Auge, die festen und bestimmten Griffe. Als würde er da von innen heraus seine eigenen Freeman Etudes diktiert bekommen. Als ob die hyperkomplexen Muster nur so, mit genau diesen Glissandos, exakt diesen Stakkatos im dreifaltig crescendierenden und diminuierenden Morphing verfugt und verschachtelt sein könnten. Der Grundzug des Freispiels, nämlich ein endloses Gespräch zu sein, ein sich selbst generierender ergebnisoffener Prozess, wird dabei fast ein wenig oxymoronisiert. Rupp taucht nach dem Verhallen der jeweils letzten Stecknadel aus seiner Versenkung auf wie aus einer anderen Welt und ersetzt das ihm ins Gesicht kalligrafierte Kanji für Konzentration durch das für Zufriedenheit. Zufrieden über etwas, das zwischen teilchenphysikalischem Pingpong und intelligentem Schwärmen vexiert. Ich lasse mir die kitzligen, womöglich aber gar nicht witzig gemeinten Finessen gefallen, weil sie das, was ist, viel weniger starr erscheinen lassen als ich es gewöhnlich wahrnehme.

Aber dann gibt es immer wieder auch rasante Rucks über das Kleine & Feine hinaus, mitreißendes Geprassel und Growling, das den Jackpot knackt und Serotonin ausschüttet. Dazu dann noch dieses w71-spezifische Drumherum, diesmal mit Ulrichsberger Kaleidophon-Reminiszensen, seltsamen Geräuschen als die Rede auf Baby Sommer kam, ökofeministischen Ausführungen zu Wolfes In The Throne Room und verdammt rauchigem Scotch. Und auf der Heimfahrt dann Dillinger Escape Plan. Das nenn ich einen ordentlichen Freitag.

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Schlippenbach Trio im KULT, Niederstetten

Hier der Bericht von Michael Weber-Schwarz aus der TZ vom 5.12.2012

Höchst lebendige Ikonen
Ein wunderbares Konzert spielte am Sonntagabend das „Schlippenbach-Trio“ im Niederstettener „Kult“. Drei Altmeister des Freejazz brachten Hochspannendes und Lyrisches auf die Bühne.

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Alexander von Schlippenbach „clustert“: Das Hämmern mit den Handballen ist aber nur eine Facette im Spiel des Ausnahmepianisten. Zitat und Spontanmusik fließen scheinbar mühelos aus den Händen des 74-Jährigen. Foto: M. Weber-Schwarz

Über die musikalische Vita von Alexander von Schlippenbach und seinen Mitspielern ist im Grunde alles geschrieben. Ein „Zeit“-Artikel fasst sie trocken und wahr so zusammen: „Das Schlippenbach-Trio hat europäische Freejazzgeschichte geschrieben, seine Musik swingt. Es gilt heute als eines der langlebigsten Kollektive der Improvisierten Musik (…) Intensität und Dichte, Klangberge und leise Horizonte aus einer gut gefüllten Schatztruhe gemeinsamer Spielerfahrung geschöpft.“
Der club w 71 hat die Freejazz-Altmeister (Betonung auf Meister) einmal mehr hierher gelotst. Über Glasgow und Leipzig machte das Trio auf seiner „Winterreise“ in Niederstetten Station (weils im „Kult“ einen guten Konzertflügel und im Club halt keinen gibt).
Weiter gehts dann nach Linz, Genf, Berlin. Im ersten Set – rund 40 Minuten nonstop – all das, was Freejazz ausmacht. Ungeheuer spannende Phasen mit (der Vollständigkeit halber) Alexander von Schlippenbach am Piano, Evan Parker am Saxophon und Paul Lovens am Schlagzeug. Einem Nicht-Freejazz-Hörer ist kaum zu vermitteln, was da stattfindet: Auseinanderfallen und Zusammenprallen von Sounds und Rhythmen, feinstes Zusammenspiel, das aus scheinbarem Chaos urplötzlich in Uniosono-Passagen übergeht. Die stärksten Momente sind aber die lyrischen, sehr gefühlvoll das gegenseitige Zuhören, Abtasten, Zusammenfinden, zart, schön, unerschöpflich, wunderbar. Im zweiten Set wird die harmonische Seite ebenfalls stark betont, griffige Piano-Themen prägen es. Paul Lovens ist die Triebfeder, die nach ruhigen Momenten die Lokomotive immer wieder an- und einen druckvollen Pulse unterschiebt, mit den Stöcken quietschig alle Arten von Becken bearbeitet, während Parker das Tenorsaxophon unzählige Läufe hinauf- und hinunterquellen lässt, endlose Zirkularatmung inklusive. Von Schlippenbach steht dabei immer in fast unmerklichem Augenkontakt mit den Mitmusikern; über ein subtiles Singen und Summen führt er.
Trotz „free“ hat dieser Trio-Jazz etwas durchaus Stilhaftes – und das bei Schlippenbach & Co. schon seit Jahrzehnten. Es ist das Gemeinsam-Reifen, das am Ende einen Zuhörer sagen lässt: „Einfach schön.“

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Die drei Herren werden auch im 42sten Jahr ihrer Zusammenarbeit immer noch besser. Wie üblich bei Schlippenbachs Winterreise wieder mit Schneefall und dementsprechenden Straßenverhältnissen verbunden. Und doch wieder ein starkes Konzert vor sachkundigem und zahlreichem Publikum … findet …Schorle